Installation view of the exhibition "Cubism and Abstract Art."
March 2, 1936–April 19, 1936. Photographic Archive. The Museum of Modern Art Archives, New York. IN46.17. Photograph by Beaumont Newhall.
자료 출처: MoMA 공식 웹사이트
많은 예술가가 대중에게 친절히 다가가려고 해도 어쩐지 미술은 그 자체만으로 장벽이 느껴지는 것이 사실이다. 여전히 미술계에 남아있는 엘리트주의와 화이트 큐브 형태의 전시 공간이 미술을 어려운 것으로 인식하게 만들기 때문일까. 어려운 단어들로 가득한 전시 서문은 물론이고, 화이트 큐브가 지니고 있는 일상과의 단절은 미술 전시가 지닌 근원적인 불친절이다. 그래서 수많은 미술계 종사자가 이러한 장벽을 허물기 위해 노력하고 있지만 그럼에도 불구하고 여전히 전시 공간에는 물리적인 장벽이 존재한다.
한국장애인문화예술원이 발간한 ‘2022년 문화시설 장애인 접근성 실태조사 연구 보고서’에 따르면 ‘문화시설 장애인 접근성 개선의 필요성’에 대해 조사한 결과, 필요하다는 응답이 73.9%, 이 중에서 미술관에서의 장애인 접근성 개선의 필요성에 대한 응답이 80.0%로 여타 문화예술 공간 중 가장 높은 수치를 기록했다. 미술 전시 공간의 어떠한 점이 장애인의 문화 향유를 제한하고 있는 것일까.
우리 사회의 또 다른 이방인, 우리가 비가시화해 왔던 그러나 직면해야만 하는 불편한 진실은 미술 전시 공간을 포함한 대부분의 공간이 장애인의 감상을 고려하지 않은 것에 있다. 특히 대부분의 작품이 시각에 의존하고 있는 미술의 경우, 시각장애를 가진 이에게는 그 자체만으로 거대한 장벽이다. 이뿐만이 아니다. 비장애인 성인의 시선에 맞춘 작품의 설치와 전시 공간의 동선 설계는 휠체어 이용자를 고려하지 않고, 어려운 용어로 가득한 전시 서문이나 평론은 발달장애인의 이해를 어렵게 만든다.
이지양x유화수, 따라서 어떤 것은 더 작고 어떤 것은 더 크다, 2020. ⓒ이지양x유화수 / 자료 출처: 서울시립미술관 공식 웹사이트
이러한 측면에서 서울시립 북서울미술관의 전시 <나는 우리를 사랑하고 싶다>는 생각할 여지가 많은 전시다. 2024년 서울시립미술관 기관의제인 ‘연결’을 주제로 한 이 전시는 인종과 나이, 성별과 성적 지향, 신체적 조건 등의 이유로 차별받는 사회적 소수자들의 이야기에 주목한다.
전시를 둘러보며 가장 인상 깊었던 점은 전시실의 모든 공간이 휠체어로 이동 가능한 동선으로 설계되어 있었고, 중간중간 쉬어가며 작품을 감상할 수 있게 구성되어 있었다는 것이다. 심지어 몇몇 작품은 촉각 모형이 함께 전시되어 있었고, 영상 작품에는 자막 해설이 제공되었다. 당연한 것이지만 적잖은 충격을 받고 집에 돌아가는 길, 북서울미술관 블로그를 방문해 관련 포스트를 하나하나 살펴보았다. 그리고 그중 한 포스트를 저장해두었다.
“SeMA 옴니버스 <나는 우리를 사랑하고 싶다>는 모두를 환대하기 위해 매개 정보를 준비하고 휴식 공간을 마련하였습니다. 장애인 접근성 향상을 위해 전시 기본 정보 및 작품 음성해설(14점), 음성해설(4점), 자막 해설(4점) 등 시청각 정보를 추가로 제공합니다. 전시장 곳곳에 있는 휴식 공간에서 충분한 휴식을 취하며 여러분만의 속도로 전시를 감상해 보시길 바랍니다.”
올 초 국립현대미술관도 추세에 발맞춰 2024-2026 3개년 중기계획 중 하나로 ‘무장애 미술관, 모두의 미술관’을 발표했다. 점진적으로 전시 관람 환경을 개선해 장애인의 예술 향유에 힘쓸 예정이라는 의미다. 하지만 위의 두 사례에서 눈치를 챘듯이 대부분의 ‘배리어-프리’는 국공립 기관에서 이루어지고 있다. 그래서 ‘모두를 위한 예술’이 상업적 전시 공간에서는 실현하기 어려운, 터무니없는 이야기처럼 들릴지도 모른다. 상업 갤러리에 몸담고 있는 나 또한 당장 ‘배리어-프리’가 가능할 것으로 생각하지 않는다. 하지만 상업 갤러리의 중요한 지점은 컬렉터와 작가를 중개하는 것뿐만 아니라 그 과정에서 더 많은 사람이 예술을 가까이서 즐길 수 있는 환경을 만드는 것이 아닐까.
그래서 예술은 언제나 낮은 곳을 향해야 한다. 여기서 말하는 ‘낮은’은 부나 명예 등의 고저를 말하는 것이 아니다. 예술이 지니고 있는 물리적 위계감에서 벗어나야 한다는 말이다. 여기서 우리가 간과하지 말아야 할 것은 이러한 변화가 시혜적이고 단기적인 것에 머무르면 안 된다는 사실이다.
Even when many artists try to approach the public with kindness, art can still feel inherently distant. Perhaps it's the lingering elitism in the art world or the sterile environment of the white cube gallery space that makes art seem unapproachable. From exhibition texts full of obscure terminology to the white cube’s disconnection from everyday life, contemporary art exhibitions often feel fundamentally unwelcoming.
While many in the art world are working to break down these barriers, physical obstacles still persist within exhibition spaces.
According to the 2022 Accessibility Survey of Cultural Facilities for People with Disabilities, published by the Korea Disability Arts and Culture Center, 73.9% of respondents agreed that improving accessibility in cultural facilities is necessary. Among all types of spaces, art museums scored the highest, with 80% expressing the need for improved access. So what exactly is it about these spaces that restricts access to art for people with disabilities?
One of the uncomfortable truths we must confront is this: the majority of our cultural and exhibition spaces, including art museums, are not designed with people with disabilities in mind. In visual art—where the experience depends heavily on sight—this creates a particularly large barrier for those with visual impairments. But the issue doesn't stop there. Most artworks are installed at eye level for non-disabled adults, and exhibition layouts often fail to consider wheelchair users. Complex, jargon-filled wall texts can also be difficult for people with developmental disabilities to understand.
Against this backdrop, the exhibition I Want to Love Us, held at the Seoul Museum of Art’s Buk-Seoul branch, offers much to reflect on. Based on SeMA’s 2024 institutional agenda of “Connection,” the show focuses on stories of marginalized individuals—those discriminated against due to race, age, gender, sexual orientation, and physical conditions.
What stood out most during my visit was the exhibition design: every area was wheelchair accessible, and rest spaces were thoughtfully placed throughout, allowing visitors to take their time. Some works included tactile models for the visually impaired, while video works were accompanied by captions and audio guides. These may seem like basic features, but they left a deep impression on me. On my way home, I browsed the museum's blog and saved one particular post.
“SeMA Omnibus: I Want to Love Us is prepared with mediating information and rest areas in the exhibition space, designed to welcome all visitors. To enhance accessibility for visitors with disabilities, the exhibition offers basic information, audio guides for 14 works, and video captions for 4 works. Please take your time and enjoy the exhibition at your own pace in our resting zones throughout the gallery.”
Earlier this year, the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) also announced a new three-year plan (2024–2026) titled Barrier-Free Museum, Museum for All, signaling its commitment to gradually improving exhibition accessibility and making art more inclusive.
However, as these examples show, most barrier-free efforts are currently taking place within public institutions. That’s why the phrase “art for all” might sound impractical—if not impossible—in the context of commercial galleries. As someone working in one myself, I don't believe full accessibility can be achieved overnight. But isn’t one of the key roles of a commercial gallery not only to connect collectors and artists but also to create environments where more people can enjoy art up close?
That’s why art must always strive downward. By “downward,” I don’t mean in terms of wealth or status, but in shedding its physical and symbolic hierarchies. And here lies something we must not overlook: this shift must not remain a temporary, benevolent gesture. It must become a sustained, structural transformation.
Installation view of the exhibition "Cubism and Abstract Art."
March 2, 1936–April 19, 1936. Photographic Archive. The Museum of Modern Art Archives, New York. IN46.17. Photograph by Beaumont Newhall.
자료 출처: MoMA 공식 웹사이트
많은 예술가가 대중에게 친절히 다가가려고 해도 어쩐지 미술은 그 자체만으로 장벽이 느껴지는 것이 사실이다. 여전히 미술계에 남아있는 엘리트주의와 화이트 큐브 형태의 전시 공간이 미술을 어려운 것으로 인식하게 만들기 때문일까. 어려운 단어들로 가득한 전시 서문은 물론이고, 화이트 큐브가 지니고 있는 일상과의 단절은 미술 전시가 지닌 근원적인 불친절이다. 그래서 수많은 미술계 종사자가 이러한 장벽을 허물기 위해 노력하고 있지만 그럼에도 불구하고 여전히 전시 공간에는 물리적인 장벽이 존재한다.
한국장애인문화예술원이 발간한 ‘2022년 문화시설 장애인 접근성 실태조사 연구 보고서’에 따르면 ‘문화시설 장애인 접근성 개선의 필요성’에 대해 조사한 결과, 필요하다는 응답이 73.9%, 이 중에서 미술관에서의 장애인 접근성 개선의 필요성에 대한 응답이 80.0%로 여타 문화예술 공간 중 가장 높은 수치를 기록했다. 미술 전시 공간의 어떠한 점이 장애인의 문화 향유를 제한하고 있는 것일까.
우리 사회의 또 다른 이방인, 우리가 비가시화해 왔던 그러나 직면해야만 하는 불편한 진실은 미술 전시 공간을 포함한 대부분의 공간이 장애인의 감상을 고려하지 않은 것에 있다. 특히 대부분의 작품이 시각에 의존하고 있는 미술의 경우, 시각장애를 가진 이에게는 그 자체만으로 거대한 장벽이다. 이뿐만이 아니다. 비장애인 성인의 시선에 맞춘 작품의 설치와 전시 공간의 동선 설계는 휠체어 이용자를 고려하지 않고, 어려운 용어로 가득한 전시 서문이나 평론은 발달장애인의 이해를 어렵게 만든다.
이지양x유화수, 따라서 어떤 것은 더 작고 어떤 것은 더 크다, 2020. ⓒ이지양x유화수 / 자료 출처: 서울시립미술관 공식 웹사이트
이러한 측면에서 서울시립 북서울미술관의 전시 <나는 우리를 사랑하고 싶다>는 생각할 여지가 많은 전시다. 2024년 서울시립미술관 기관의제인 ‘연결’을 주제로 한 이 전시는 인종과 나이, 성별과 성적 지향, 신체적 조건 등의 이유로 차별받는 사회적 소수자들의 이야기에 주목한다.
전시를 둘러보며 가장 인상 깊었던 점은 전시실의 모든 공간이 휠체어로 이동 가능한 동선으로 설계되어 있었고, 중간중간 쉬어가며 작품을 감상할 수 있게 구성되어 있었다는 것이다. 심지어 몇몇 작품은 촉각 모형이 함께 전시되어 있었고, 영상 작품에는 자막 해설이 제공되었다. 당연한 것이지만 적잖은 충격을 받고 집에 돌아가는 길, 북서울미술관 블로그를 방문해 관련 포스트를 하나하나 살펴보았다. 그리고 그중 한 포스트를 저장해두었다.
“SeMA 옴니버스 <나는 우리를 사랑하고 싶다>는 모두를 환대하기 위해 매개 정보를 준비하고 휴식 공간을 마련하였습니다. 장애인 접근성 향상을 위해 전시 기본 정보 및 작품 음성해설(14점), 음성해설(4점), 자막 해설(4점) 등 시청각 정보를 추가로 제공합니다. 전시장 곳곳에 있는 휴식 공간에서 충분한 휴식을 취하며 여러분만의 속도로 전시를 감상해 보시길 바랍니다.”
올 초 국립현대미술관도 추세에 발맞춰 2024-2026 3개년 중기계획 중 하나로 ‘무장애 미술관, 모두의 미술관’을 발표했다. 점진적으로 전시 관람 환경을 개선해 장애인의 예술 향유에 힘쓸 예정이라는 의미다. 하지만 위의 두 사례에서 눈치를 챘듯이 대부분의 ‘배리어-프리’는 국공립 기관에서 이루어지고 있다. 그래서 ‘모두를 위한 예술’이 상업적 전시 공간에서는 실현하기 어려운, 터무니없는 이야기처럼 들릴지도 모른다. 상업 갤러리에 몸담고 있는 나 또한 당장 ‘배리어-프리’가 가능할 것으로 생각하지 않는다. 하지만 상업 갤러리의 중요한 지점은 컬렉터와 작가를 중개하는 것뿐만 아니라 그 과정에서 더 많은 사람이 예술을 가까이서 즐길 수 있는 환경을 만드는 것이 아닐까.
그래서 예술은 언제나 낮은 곳을 향해야 한다. 여기서 말하는 ‘낮은’은 부나 명예 등의 고저를 말하는 것이 아니다. 예술이 지니고 있는 물리적 위계감에서 벗어나야 한다는 말이다. 여기서 우리가 간과하지 말아야 할 것은 이러한 변화가 시혜적이고 단기적인 것에 머무르면 안 된다는 사실이다.
Even when many artists try to approach the public with kindness, art can still feel inherently distant. Perhaps it's the lingering elitism in the art world or the sterile environment of the white cube gallery space that makes art seem unapproachable. From exhibition texts full of obscure terminology to the white cube’s disconnection from everyday life, contemporary art exhibitions often feel fundamentally unwelcoming.
While many in the art world are working to break down these barriers, physical obstacles still persist within exhibition spaces.
According to the 2022 Accessibility Survey of Cultural Facilities for People with Disabilities, published by the Korea Disability Arts and Culture Center, 73.9% of respondents agreed that improving accessibility in cultural facilities is necessary. Among all types of spaces, art museums scored the highest, with 80% expressing the need for improved access. So what exactly is it about these spaces that restricts access to art for people with disabilities?
One of the uncomfortable truths we must confront is this: the majority of our cultural and exhibition spaces, including art museums, are not designed with people with disabilities in mind. In visual art—where the experience depends heavily on sight—this creates a particularly large barrier for those with visual impairments. But the issue doesn't stop there. Most artworks are installed at eye level for non-disabled adults, and exhibition layouts often fail to consider wheelchair users. Complex, jargon-filled wall texts can also be difficult for people with developmental disabilities to understand.
Against this backdrop, the exhibition I Want to Love Us, held at the Seoul Museum of Art’s Buk-Seoul branch, offers much to reflect on. Based on SeMA’s 2024 institutional agenda of “Connection,” the show focuses on stories of marginalized individuals—those discriminated against due to race, age, gender, sexual orientation, and physical conditions.
What stood out most during my visit was the exhibition design: every area was wheelchair accessible, and rest spaces were thoughtfully placed throughout, allowing visitors to take their time. Some works included tactile models for the visually impaired, while video works were accompanied by captions and audio guides. These may seem like basic features, but they left a deep impression on me. On my way home, I browsed the museum's blog and saved one particular post.
“SeMA Omnibus: I Want to Love Us is prepared with mediating information and rest areas in the exhibition space, designed to welcome all visitors. To enhance accessibility for visitors with disabilities, the exhibition offers basic information, audio guides for 14 works, and video captions for 4 works. Please take your time and enjoy the exhibition at your own pace in our resting zones throughout the gallery.”
Earlier this year, the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) also announced a new three-year plan (2024–2026) titled Barrier-Free Museum, Museum for All, signaling its commitment to gradually improving exhibition accessibility and making art more inclusive.
However, as these examples show, most barrier-free efforts are currently taking place within public institutions. That’s why the phrase “art for all” might sound impractical—if not impossible—in the context of commercial galleries. As someone working in one myself, I don't believe full accessibility can be achieved overnight. But isn’t one of the key roles of a commercial gallery not only to connect collectors and artists but also to create environments where more people can enjoy art up close?
That’s why art must always strive downward. By “downward,” I don’t mean in terms of wealth or status, but in shedding its physical and symbolic hierarchies. And here lies something we must not overlook: this shift must not remain a temporary, benevolent gesture. It must become a sustained, structural transformation.