시각예술에 있어 점, 선, 면은 가장 필수적인 삼 요소다. 점은 0의 공간에 1을 탄생시키는 것이고, 선은 탄생한 1들을 더해나가는 일, 그리고 면은 더해진 1을 곱해 확장하는 역할을 수행한다. 이렇듯 점과 선과 면은 서로가 촘촘히 엮여있어 어느 하나가 더 뛰어나다고 말하기가 쉽지만은 않다. 하지만 적어도 나에게 선은 예술에서 가장 중요한 요소다. 우리의 삶 또한 시간이라는 거대한 선 위에 놓여있기 때문에 선이란 곧 인생이자 예술인 것이다. 그래서일까. 작품 속 ‘선(線)’들은 작가가 추구하는 ‘선(善)’과 닮아있다.
권오봉, 무제, 2005. Acrylic on canvas, 182x227cm. ⓒ권오봉
자료 출처: 대구미술관 공식 웹사이트
권오봉 작가의 회화는 자유분방한 선으로 가득하다. 어떤 선은 날카롭게 어떤 선은 둔탁하게 화면을 채워간다. 낙서회화로도 잘 알려진 권오봉의 회화는 천 위에 색을 입히고 칠하거나 긁어내며 에너지가 응축된 선을 만들어낸다. 어디로 튈지 모르는 거친 선들이 억지스러움을 경계하는 그의 삶의 방식과 맞닿아 있기 때문이다. 그래서 아무것에도 속박되지 않고 아무것도 속박하지 않는 무작위의 아름다움이 캔버스 위에서 펼쳐질 수 있다.
무작위로 이루어진 회화는 마치 김 서린 창문 위로 손가락을 꼬물거리며 낙서하던 어린 시절 추억을 떠올리게 만든다. 하지만 작품은 보이는 것처럼 마냥 천진난만하지는 않다. 그에 따르면 하루하루의 고민이나 상념, 다양한 감정들을 일기처럼 써 내려간 기록이 바로 회화고, 그렇기 때문에 유사해 보이는 구성 안에도 어떤 선은 회한으로, 어떤 선은 행복으로 느껴질 수 있는 것이다.
이상수, rabbit(pink gradation), 2024. Paint on resin, 27x26x42(h)cm. ⓒ이상수
권오봉이 격정적이고 자유로운 방식으로 선을 그려나간다면 이상수는 치밀하고 정교한 방식으로 선을 조각해 나간다. 이상수는 자신의 작업에 대해 “이것은 화가가 꿈이었던 조각가가 공중에 그리는 드로잉이고 페인팅이다.”라고 말한다. 즉, 선으로서의 역할을 수행함과 동시에 면으로서의 면모도 선보이는 아주 복합적인 형태의 조각을 만들어내는 것이다.
이상수는 익숙한 형태의 외관을 빌려 아주 추상적이지만 동시에 완벽한 구상의 모습을 띠고 있는 조각으로 완성한다. 익숙한 대상의 본질만 남기고 부수적인 요소들은 전부 제거해 현실에 발을 딛고 있지만 초현실에 가까운 이미지를 구현해내는 것이다. 이때 공중의 선은 마치 필압에 의해 조절되는 것처럼 형태에 맞게 굵어졌다가 얇아지기를 반복한다. 이 섬세한 변화는 ‘공중에 그리는 드로잉’이 현실에서 완전해지도록 만든다.
권오봉은 캔버스라는 틀 위로 무형의 무언가를 그려낸다면 이상수는 틀을 벗어나 형태가 분명한 무언가를 조각해낸다. 선이라는 공통된 주제가 완전히 다른 방식으로 전개되는 것이다. 이들이 선에 접근하는 방식 또한 완전한 차이를 보인다. 권오봉의 선은 억압으로부터의 해방을 추구해 자유롭게 날아다니지만 이상수의 선은 섬세하고 계획적이며 깔끔하게 맞물린다. 이런 차이에서 우리는 작가가 삶을 살아가는 방식 또한 느낄 수 있다.
선은 삶이자 세계다. 우리는 선 위에서 살아가고, 이로 인해 세계로 나아갈 수 있기 때문이다. 그렇다면 지금 우리의 선은 어떤 모습이고 어디를 향해 나아가고 있는 것일까. 앞만 보고 달려가기 바쁜 일상은 우리의 선이 옳은 방향으로 나아가는 것인지 파악하기 어렵게 만든다. 그래서 때로는 생각을 잠시 멈추고 자신을 돌아보는 시간이 필요하다. 권오봉과 이상수의 선(線)을 통해 마음속에 품고 있던 저마다의 선(善)를 다시금 꺼내볼 수 있는 시간이 되기를 바란다.
In visual art, the point, line, and plane are its most essential elements. A point marks the emergence of one from nothing—a birth of existence in zero space. A line adds to that existence, connecting one to another, while the plane multiplies and expands these connections into a broader whole. These three—point, line, and plane—are so closely intertwined that it's difficult to say which holds more value. Yet for me, the line is the most vital element in art. After all, our lives unfold upon the vast line of time. A line is life itself—it is art. Perhaps that is why the lines within artworks often resemble the line (善) of virtue pursued by the artist.
Kwon O-bong’s paintings are filled with unrestrained lines—some sharp, others blunt—each charging across the canvas with raw energy. Often categorized as part of the “graffiti painting” genre, Kwon’s work is created by applying, layering, and scraping paint onto fabric. The lines that emerge are energetic, unpredictable, and deeply instinctual. These unruly strokes reflect the artist’s personal ethos: to avoid anything forced or restricted. That’s why his canvases become playgrounds of untamed beauty—free from confinement, and refusing to confine in return.
At first glance, his spontaneous marks may recall childhood moments of doodling on foggy windows. But his work is far from innocent play. For Kwon, painting is like keeping a diary—a daily record of thoughts, emotions, and inner turmoil. Even within compositions that appear similar, each line may hold a different story: one might be soaked in regret, another in joy.
If Kwon draws his lines with passion and spontaneity, Lee Sangsoo carves his with precision and intent. “This,” Lee says of his work, “is a drawing and painting in the air—created by a sculptor who once dreamed of becoming a painter.” His sculptures operate simultaneously as line and plane, capturing both abstraction and realism in a complex yet harmonious form.
Using familiar shapes, Lee strips away all unnecessary elements, reducing each figure to its essence. His works stand firmly in the real world, yet carry an air of surrealism. The lines, like those created under varying pressure of a pencil, thicken and thin along the contours of the form—rendering a sculptural "drawing in the air" complete and tangible.
Where Kwon draws the intangible onto the canvas, Lee sculpts tangible forms that transcend it. Though united by the theme of “line,” their approaches could not be more different. Kwon’s lines soar freely in pursuit of liberation from constraint; Lee’s are calculated, elegant, and intricately interlocked. Through these contrasting lines, we come to understand how each artist approaches not just art—but life itself.
A line is life. A line is the world. We live on lines, and through them, we move forward into the world. But what shape does your line take today, and where is it heading? In the rush of daily life, it can be hard to see whether we are truly moving in the right direction. That’s why we sometimes need to pause—to reflect and reorient ourselves. May the lines (線) of Kwon O-bong and Lee Sangsoo help you rediscover the line (善) of goodness within your own heart.
시각예술에 있어 점, 선, 면은 가장 필수적인 삼 요소다. 점은 0의 공간에 1을 탄생시키는 것이고, 선은 탄생한 1들을 더해나가는 일, 그리고 면은 더해진 1을 곱해 확장하는 역할을 수행한다. 이렇듯 점과 선과 면은 서로가 촘촘히 엮여있어 어느 하나가 더 뛰어나다고 말하기가 쉽지만은 않다. 하지만 적어도 나에게 선은 예술에서 가장 중요한 요소다. 우리의 삶 또한 시간이라는 거대한 선 위에 놓여있기 때문에 선이란 곧 인생이자 예술인 것이다. 그래서일까. 작품 속 ‘선(線)’들은 작가가 추구하는 ‘선(善)’과 닮아있다.
권오봉, 무제, 2005. Acrylic on canvas, 182x227cm. ⓒ권오봉
자료 출처: 대구미술관 공식 웹사이트
권오봉 작가의 회화는 자유분방한 선으로 가득하다. 어떤 선은 날카롭게 어떤 선은 둔탁하게 화면을 채워간다. 낙서회화로도 잘 알려진 권오봉의 회화는 천 위에 색을 입히고 칠하거나 긁어내며 에너지가 응축된 선을 만들어낸다. 어디로 튈지 모르는 거친 선들이 억지스러움을 경계하는 그의 삶의 방식과 맞닿아 있기 때문이다. 그래서 아무것에도 속박되지 않고 아무것도 속박하지 않는 무작위의 아름다움이 캔버스 위에서 펼쳐질 수 있다.
무작위로 이루어진 회화는 마치 김 서린 창문 위로 손가락을 꼬물거리며 낙서하던 어린 시절 추억을 떠올리게 만든다. 하지만 작품은 보이는 것처럼 마냥 천진난만하지는 않다. 그에 따르면 하루하루의 고민이나 상념, 다양한 감정들을 일기처럼 써 내려간 기록이 바로 회화고, 그렇기 때문에 유사해 보이는 구성 안에도 어떤 선은 회한으로, 어떤 선은 행복으로 느껴질 수 있는 것이다.
이상수, rabbit(pink gradation), 2024. Paint on resin, 27x26x42(h)cm. ⓒ이상수
권오봉이 격정적이고 자유로운 방식으로 선을 그려나간다면 이상수는 치밀하고 정교한 방식으로 선을 조각해 나간다. 이상수는 자신의 작업에 대해 “이것은 화가가 꿈이었던 조각가가 공중에 그리는 드로잉이고 페인팅이다.”라고 말한다. 즉, 선으로서의 역할을 수행함과 동시에 면으로서의 면모도 선보이는 아주 복합적인 형태의 조각을 만들어내는 것이다.
이상수는 익숙한 형태의 외관을 빌려 아주 추상적이지만 동시에 완벽한 구상의 모습을 띠고 있는 조각으로 완성한다. 익숙한 대상의 본질만 남기고 부수적인 요소들은 전부 제거해 현실에 발을 딛고 있지만 초현실에 가까운 이미지를 구현해내는 것이다. 이때 공중의 선은 마치 필압에 의해 조절되는 것처럼 형태에 맞게 굵어졌다가 얇아지기를 반복한다. 이 섬세한 변화는 ‘공중에 그리는 드로잉’이 현실에서 완전해지도록 만든다.
권오봉은 캔버스라는 틀 위로 무형의 무언가를 그려낸다면 이상수는 틀을 벗어나 형태가 분명한 무언가를 조각해낸다. 선이라는 공통된 주제가 완전히 다른 방식으로 전개되는 것이다. 이들이 선에 접근하는 방식 또한 완전한 차이를 보인다. 권오봉의 선은 억압으로부터의 해방을 추구해 자유롭게 날아다니지만 이상수의 선은 섬세하고 계획적이며 깔끔하게 맞물린다. 이런 차이에서 우리는 작가가 삶을 살아가는 방식 또한 느낄 수 있다.
선은 삶이자 세계다. 우리는 선 위에서 살아가고, 이로 인해 세계로 나아갈 수 있기 때문이다. 그렇다면 지금 우리의 선은 어떤 모습이고 어디를 향해 나아가고 있는 것일까. 앞만 보고 달려가기 바쁜 일상은 우리의 선이 옳은 방향으로 나아가는 것인지 파악하기 어렵게 만든다. 그래서 때로는 생각을 잠시 멈추고 자신을 돌아보는 시간이 필요하다. 권오봉과 이상수의 선(線)을 통해 마음속에 품고 있던 저마다의 선(善)를 다시금 꺼내볼 수 있는 시간이 되기를 바란다.
In visual art, the point, line, and plane are its most essential elements. A point marks the emergence of one from nothing—a birth of existence in zero space. A line adds to that existence, connecting one to another, while the plane multiplies and expands these connections into a broader whole. These three—point, line, and plane—are so closely intertwined that it's difficult to say which holds more value. Yet for me, the line is the most vital element in art. After all, our lives unfold upon the vast line of time. A line is life itself—it is art. Perhaps that is why the lines within artworks often resemble the line (善) of virtue pursued by the artist.
Kwon O-bong’s paintings are filled with unrestrained lines—some sharp, others blunt—each charging across the canvas with raw energy. Often categorized as part of the “graffiti painting” genre, Kwon’s work is created by applying, layering, and scraping paint onto fabric. The lines that emerge are energetic, unpredictable, and deeply instinctual. These unruly strokes reflect the artist’s personal ethos: to avoid anything forced or restricted. That’s why his canvases become playgrounds of untamed beauty—free from confinement, and refusing to confine in return.
At first glance, his spontaneous marks may recall childhood moments of doodling on foggy windows. But his work is far from innocent play. For Kwon, painting is like keeping a diary—a daily record of thoughts, emotions, and inner turmoil. Even within compositions that appear similar, each line may hold a different story: one might be soaked in regret, another in joy.
If Kwon draws his lines with passion and spontaneity, Lee Sangsoo carves his with precision and intent. “This,” Lee says of his work, “is a drawing and painting in the air—created by a sculptor who once dreamed of becoming a painter.” His sculptures operate simultaneously as line and plane, capturing both abstraction and realism in a complex yet harmonious form.
Using familiar shapes, Lee strips away all unnecessary elements, reducing each figure to its essence. His works stand firmly in the real world, yet carry an air of surrealism. The lines, like those created under varying pressure of a pencil, thicken and thin along the contours of the form—rendering a sculptural "drawing in the air" complete and tangible.
Where Kwon draws the intangible onto the canvas, Lee sculpts tangible forms that transcend it. Though united by the theme of “line,” their approaches could not be more different. Kwon’s lines soar freely in pursuit of liberation from constraint; Lee’s are calculated, elegant, and intricately interlocked. Through these contrasting lines, we come to understand how each artist approaches not just art—but life itself.
A line is life. A line is the world. We live on lines, and through them, we move forward into the world. But what shape does your line take today, and where is it heading? In the rush of daily life, it can be hard to see whether we are truly moving in the right direction. That’s why we sometimes need to pause—to reflect and reorient ourselves. May the lines (線) of Kwon O-bong and Lee Sangsoo help you rediscover the line (善) of goodness within your own heart.